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Sessão

1 Junho 2021

Descrição

Técnica mista sobre tela
Assinada e datada Setembre 1983 Porto Colom no verso

230x204 cm

Categoria

Arte Moderna e Contemporânea

Informação Adicional

Exposições:
"En el Centro", Centro Cultural de la Ciudad de Madrid, Madrid, Spain, 1984, Cat. p. 27.

Proveniência:
Galeria Juana de Aizpuru, Madrid, Spain;
Colecção Particular, Portugal.

Texto de Enrique Juncosa, Escritor e Curador

Este quadro, realizado no atelier que o artista tinha em Porto Colom (Maiorca), pertence a um notável grupo de obras realizadas no início dos anos oitenta, quando se iniciou o seu reconhecimento internacional, e tem como tema o pintor a trabalhar no seu atelier. Em todas essas obras vemos o corpo do pintor representado dentro do quadro que está a pintar, como em El pintor amb el seu reflexe (1982); Peintre peignant le tableau; El pintor damunt el cuadre, pertencentes à colecção de Les Abbattoirs, Toulouse; Hamlet; ou Jugement de Salomon, na colecção do Pompidou, em Paris (sendo as últimas quatro obras de 1983). Antes de as pintar, Barceló tinha visto Narciso de Caravaggio, obra que lhe interessou particularmente ao descobri-la numa retrospectiva do grande artista italiano organizada pelo The Metropolitan Museum of Art, em Nova Iorque. Narciso, uma personagem da mitologia grega, era um jovem muito bonito, por quem todos se apaixonavam, e que, devido à sua arrogância, foi condenado a apaixonar-se pelo seu próprio reflexo visto num lago, acabando por morrer afogado ao lançar-se sobre a sua imagem. O quadro de Caravaggio apresenta o personagem olhando para o seu reflexo invertido. Barceló representa pintores confinados dentro dos quadros que estão a pintar, sugerindo que o acto de pintar tem uma qualidade narcisista, sendo também uma espécie de feitiço e condenação, e constituindo uma actividade obsessiva que não permite escapatória.
Outra obra de 1983, Le Buffet, é muito semelhante em composição ao quadro El pintor dentro del cuadro. Os pintores retratados em ambas as obras estão nus e de cabeça para baixo, em posições exageradas, quase rastejando pela superfície dos quadros em que trabalham, sugerindo exercícios de contorcionismo ou ginástica, e dedicação absoluta. Têm um pouco de aracnídeos, e de super-heróis como o Homem-Aranha, e habitam em mundos gráficos aos quais podemos chamar de maneiristas. Nesta altura, Barceló estava também interessado nos desenhos de Pontormo e Michelangelo com figuras em posições tão forçadas que chegam a ser, até, extravagantes, dramáticas e violentas. Os pintores de El pintor dentro del cuadro e Le Buffet estão rodeados de alimentos, garrafas, pratos e talheres, sugerindo que a pintura, tal como os alimentos, é nutritiva e necessária para viver, e, também, que a vida quotidiana se transforma em algo heroico quando pintada. Em El pintor dentro del cuadro tudo está repetido duas vezes. Na parte superior direita vemos um quadro que poderia muito bem ser um espelho, pois nele vemos outra figura na mesma posição que a figura dominante no centro da obra. Esta figura central segura uma lebre em cada mão, e à sua volta vemos dois cães, um pintado num quadro e um semelhante na soleira da porta do atelier, e também dois tomates, dois peixes azuis, dois pratos de sopa com colheres e duas garrafas. As coisas, mais do que pintadas, parecem objectos tridimensionais colocados sobre a tela, metáfora de um mundo paralelo que é um duplo da realidade. Tudo tem um movimento circular e dinâmico, sugerido pelas curvas do corpo e dos seus membros em movimento, quase formando uma hélice.
As maiores e mais dominantes imagens da composição, o pintor e as duas lebres, são de cor preta, silhuetadas, porém, por intensos tons de verde e amarelo, dando uma sensação de volume e criando, ao mesmo tempo, uma atmosfera global onírica ou alucinatória, talvez não muito diferente da encontrada na famosa Naturaleza del zapato viejo de Miró (1937), na colecção do MoMA em Nova Iorque. Esta obra sugere também uma visão alucinada de diferentes objectos quotidianos. Barceló, tal como Miró, não procura uma mera representação da realidade, mas investiga sobre a própria natureza da visão e da percepção, transformando-as em ferramentas que convertem a pintura numa forma de conhecimento em si mesma, como pode ser a Música ou a Poesia. A luz dramática e sombria desta pintura de Barceló também remete para a pintura Maneirista e Barroca. Outro dos temas frequentes de Barceló, a transformação paradoxal da espessura da matéria em luz e transparência, é também visível nesta obra, onde as cores e luz mencionadas criam espaços profundos e vibrantes, e, de alguma forma, electrizados.

(Original em Castelhano)
Esta pintura, realizada en el estudio que el artista tuvo en aquella época en Porto Colom (Mallorca), pertenece a un notable grupo de obras realizadas a principios de los ochenta, en el momento en que se inicia el reconocimiento internacional del artista, y cuyo tema es el pintor trabajando en su estudio. En todas ellas, vemos el cuerpo del pintor representado dentro del cuadro que está pintando, como sucede en El pintor amb el seu reflexe (1982); Peintre peignant le tableau; El pintor damunt el cuadre, en la colección de Les Abbattoirs, Toulouse; Hamlet; o Jugement de Salomon, en la colección del Pompidou en París (las últimas cuatro obras de 1983). Barceló había visto, antes de pintarlas, el Narciso de Caravaggio, obra que le interesó en espacial al descubrirla en una retrospectiva del gran artista italiano, organizada en el Metropolitan de Nueva York. Narciso, personaje de la mitología griega, fue un joven muy hermoso, del que se enamoraba todo el mundo, y que, debido a su arrogancia, fue condenado a enamorarse de su propio reflejo visto en un estanque, muriendo finalmente ahogado al abalanzarse sobre su imagen. El cuadro de Caravaggio, presenta al personaje observando su reflejo invertido. Barceló pinta pintores confinados dentro de sus cuadros que están pintando, sugiriendo que el acto de pintar tiene un algo narcisista, siendo también una suerte de hechizo y de condena, constituyendo una actividad obsesiva que no permite escapatoria.
Otra obra de 1983, Le Buffet, es muy semejante en composición a El pintor dentro del cuadro. Los pintores retratados en ambas obras están desnudos y cabeza abajo, en posiciones exageradas, casi reptando por la superficie de los cuadros en que trabajan, sugiriendo ejercicios contorsionistas o gimnásticos, y una dedicación absoluta. Tienen algo de arácnidos, y de súper héroes como Spiderman, y que habitan en mundos gráficos que podemos llamar manieristas. En esta época, Barceló se interesó también por los dibujos de Pontormo y de Miguel Ángel, quienes dibujaron figuras en posiciones tan forzadas que resultan incluso extravagantes, dramáticas y violentas. Los pintores de El pintor dentro del cuadro y Le Buffet, en todo caso, están rodeados de alimentos, botellas, platos y cubiertos, que sugieren que la pintura, como la comida, es nutritiva y necesaria para vivir, y también que la vida cotidiana se transforma en algo heroico al ser pintado. En El pintor dentro del cuadro todo está repetido dos veces. En la parte superior derecha vemos un cuadro que bien podría ser un espejo, pues en el vemos otra figura en la misma posición que la figura dominante en el centro de la obra. Esta figura central sostiene una liebre en cada mano, y a su alrededor vemos dos perros, uno pintado en un cuadro y otro semejante en el umbral de la puerta del estudio, y también dos tomates, dos pescados azules, dos platos de sopa con cucharas, o dos botellas. Las cosas, más que pintadas, parecen objetos tridimensionales colocados sobre el lienzo, metáfora de un mundo paralelo que es un doble de la realidad. Todo tiene un movimiento circular y dinámico, sugerido por las curvas del cuerpo y sus extremidades en movimiento, casi formando una hélice.
Las imágenes más grandes y dominantes en la composición, el pintor y las dos liebres, son de color negro, pero silueteadas por tonos intensos verdes y amarillos, que les dan una sensación de volumen, creando además una atmósfera general onírica o alucinatoria, no muy diferente, tal vez, a la que encontramos en la famosa Naturaleza del zapato viejo (1937) de Miró, en la colección del MoMA de Nueva York. En esta obra también se sugiere una visión alucinada de distintos objetos cotidianos. Barceló, como Miró, no persigue una mera representación de la realidad, sino que investiga sobre la naturaleza misma de la visión y la percepción, convertidas en herramientas que convierten la pintura en una forma de conocimiento en sí, como pueden serlo la música o la poesía. La luz dramática y tenebrosa de esta pintura de Barceló también remite a la pintura manierista y barroca. Otro de los temas frecuentes de Barceló, la transformación paradójica del grosor de la materia en luz y transparencia, es también visible en esta obra, donde los colores y la luz mencionados crean espacios profundos y vibrantes, de alguna forma electrizados.